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Obras maestras de Alfred Hitchcock en Cines Verdi

April 4, 2012, 1:56 am
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Hoy, miércoles 4 de Abril, los CINES VERDI de Madrid y Barcelona proyectarán, por primera vez en Alta Definición y totalmente restauradas, cuatro obras maestras del Cine, dirigidas por el maestro del suspense Alfred Hitchcock. Una ocasión única para cinéfilos y para las nuevas generaciones de poder disfrutar con estas joyas del Séptimo Arte en la gran pantalla. Tendrán un precio reducido de 5 euros para cualquier día de la semana y sesión. Estos grandes clásicos, que se proyectarán en su versión original subtitulada.

Actualización: debido al éxito de público se se mantienen desde el viernes 13 de Abril en adelante pero sólo en Cines Verdi Madrid con los siguientes horarios:

PSICOSIS (1960): se proyectará a las 15:50 h.

LOS PÁJAROS (1963): a las 17:50 h.

VÉRTIGO (DE ENTRE LOS MUERTOS) (1958): a las 20:05 h.

CON LA MUERTE EN LOS TALONES (1959): a las 22:30 h.


PSICOSIS
(Psycho, 1960)
Director: Alfred Hitchcock.
Guión: Joseph Stefano, basado en la novela homónima de Robert Bloch.
Fotografía: John J. Russell.
Música: Bernard Hermann.
Reparto: Anthony Perkins, Janet Leigh, John Gavin, Vera Miles.
Duración: 109 minutos.

Sinopsis: Una joven secretaria (Janet Leigh), tras cometer un robo en su empresa, huye de la ciudad y, después de conducir durante horas, decide descansar en un pequeño motel de carretera regentado por un tímido joven llamado Norman Bates (Anthony Perkins). Todo parece normal y tranquilo tanto en el apartado motel como en la casa de al lado en la que viven Norman y su madre, pero las cosas no son lo que parecen.

Curiosidades cinéfilas sobre Psicosis:

- Se puede ver a Alfred Hitchcock a través del ventanal de la oficina de Janet Leigh, llevando un sombrero de cowboy.

- La novela Psicosis de Robert Bloch se basa ligeramente a su vez sobre los crímenes del asesino en serie de Wisconsin Ed Gein.

- El escenario original de la Casa y el Motel Bates fueron construidos en el mismo estudio que el escenario de El Fantasma de la Ópera, que aún se mantiene en pie en Universal Studios, en Universal City, cerca de Hollywood, y es una actual atracción del estudio. El celebérrimo diseño del motel está inspirado en el cuadro de Edward Hopper House by the railroad.

- La Madre de Norman Bates fue realizada por Paul Jasmin, Virginia Gregg, y Jeanette Nolan, quienes prestaron su voz y proporcionaron algunos de los gritos de Lila cuando descubre el cadáver de la Madre. Las tres voces se mezclaron, a excepción de la última intervención, que es completa de Virginia Gregg.

- La escena de la ducha fue rodada por Hitchcock (no por Saul Bass, pese a las malas lenguas) durante siete días. Tiene un total de 68 planos. La banda sonora con el chirriar de violines, violas y violonchelos es una pieza para cuerdas creada por Bernard Herrmann, titulada El asesinato.

- Psicosis es ampliamente considerada como la primera película en el cine de género Slasher.


LOS PÁJAROS
(The Birds, 1963)
Director: Alfred Hitchcock.
Guión: Eva Hunter, basado en el relato homónimo de Daphne Du Maurier.
Fotografía: Robert Burks.
Reparto: Tippi Hedren, Rod Taylor, Jessica Tandy, Veronica Cartwright.
Duración: 119 minutos.

Sinopsis: los pájaros, enloquecidos, empiezan a atacar salvajemente a los habitantes del lugar.

Algunas curiosidades cinéfilas sobre Los pájaros:

- "Tippi" es una abreviación cariñosa de la palabra sueca "typsa", que significa "niña pequeña". El verdadero nombre de la actriz es Nathalie Hedren.

- En un principio, la adaptación del cuento original de Daphne du Maurier estaba prevista para el programa de TV de la década de 1950, "Alfred Hitchcock Presenta", pero Hitchcock decidió convertirlo en un largometraje.

- No hay música de fondo, pero los sonidos de los pájaros fueron trabajados como una verdadera partitura. El compositor Bernard Herrmann supervisó el sonido de todo el film.

- El final original de Hitchcock contemplaba a los protagonistas, que terminaban escapando de los pájaros, llegando a San Francisco aliviados, hasta que se daban cuenta de que había pájaros posados por todo el puente Golden Gate y los edificios. Por falta de recursos monetarios y tecnológicos, no fue posible. (CINEMANÍA)


VÉRTIGO (DE ENTRE LOS MUERTOS)
(Vertigo, 1958)
Director: Alfred Hitchcock.
Guión: Samuel Taylor y Alec Coppel, basado en la novela "D'Entre Les Morts" de Pierre Boileau y Thomas Narcejac.
Fotografía: Robert Burks.
Música: Bernard Hermann.
Reparto: James Stewart, Kim Novak, Tom Helmore, Barbara Bel Geddes, Henry Jones.
Duración: 128 minutos.

Sinopsis: Scottie Fergusson (James Stewart) es un detective de la policía de San Francisco que padece de vértigo. Cuando un compañero cae de una cornisa al vacío, mientras persiguen a un delincuente, Scottie decide retirarse. Gavin Elster (Tom Helmore), un viejo amigo del colegio, lo contrata para que vigile a su esposa Madeleine (Kim Novak), una bella mujer que está obsesionada con su pasado.

Algunas curiosidades cinéfilas sobre Vértigo (De entre los muertos):

- En la novela de Boileau y Narcejac, D'Entre Les Morts, el protagonista es impotente sexual. En la adaptación cinematográfica, Hitchcock se divierte multiplicando alusiones a la sexualidad de Scottie.

- Los inolvidables créditos iniciales fueron creados por Saul Bass, primera colaboración con Hitchcock, a la que siguieron Psicosis y Con la muerte en los talones. Su último trabajo para el cine fue precisamente el remake de Psycho (Psicosis) dirigido por Gus Van Sant en 1998.

- Hitchcock sale en la película en el minuto 10, cruzando la calle con un traje gris. Todos sus demás cameos (37 en total de 53 películas) ocurren antes de los 2 primeros minutos de metraje.

- Las películas Doce monos (Terry Gilliam, 1995) y La Jetée (Chris Marker, 1962) dedican un homenaje a Vértigo en algunas escenas. El video musical de Last Cup of Sorrow de la banda estadounidense Faith No More se basó en esta película. En la serie médica House se puede observar un afiche de esta película en el despacho del Dr. Wilson.


CON LA MUERTE EN LOS TALONES
(North by Northwest, 1959)
Director: Alfred Hitchcock.
Guión: Ernest Lehman.
Fotografía: Robert Burks.
Música: Bernard Hermann,
Reparto: Cary Grant, Eva Marie Saint, James Mason, Martin Landau.
Duración: 131 minutos.

Sinopsis: Debido a un malentendido, a Roger O. Thornhill (Cary Grant), un ejecutivo del mundo de la publicidad, unos espías lo confunden con un agente del gobierno llamado George Kaplan. Secuestrado por tres individuos y llevado a una mansión en la que es interrogado, consigue huir antes de que lo maten. Durante la fuga conoce a una atractiva mujer, Eve Kendall (Eva Marie Saint), que le ayuda.

Algunas curiosidades cinéfilas sobre Con la muerte entre los talones:

- Hitchcock aparece perdiendo el autobús al comienzo de la película. Pero tiene un segundo cameo secreto (y no acreditado) en Con la muerte en los talones, en el minuto 44, disfrazado de anciana en el tren.

- Jessie Royce Landis, que actuó como la madre de Cary Grant, era solamente ocho años más mayor que él. Curiosamente, ella también actuó como su suegra futura en Atrapa a un ladrón (Alfred Hitchcock, 1955).

- Un "Macguffin" es un elemento de suspense que hace que los personajes avancen en la trama, pero que no tiene mayor relevancia en la trama en sí. Expresión acuñada por Alfred Hitchcock, designa a una excusa argumental que motiva a los personajes y al desarrollo de una historia, y que en realidad carece de relevancia por sí misma.

- El estreno mundial tuvo lugar en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián

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CRÍTICA LOS VENGADORES

May 10, 2012, 4:39 am
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Los Vengadores, creados por Jack Kirby (dibujante) y Stan Lee (guionista) para Marvel Comics, siempre fueron un grupo de luces y espectáculo, así como La Patrulla X eran proscritos, Los Vengadores estaban hechos para lucirse como si fueran divos/as de Hollywood: un dios nórdico, un playboy millonario, un héroe de guerra o un coloso verde de fuerza sin igual son algunos de sus principales miembros.

Aunque no llega a la altura de maravillas como X Men: First Class, resulta una película divertida, entretenida, que emocionará a los "Marvelitas" (seguidores de Marvel Comics). Los personajes son en general bastante más planos que otros de Marvel como Spidermano Magneto, pero logran suplir (en parte) esta carencia narrativa con impresionantes escenas de acción y golpes de humor. El más carismático es Tony Stark (Iron Man) que siempre nos deja con una sonrisa en la cara, un niño grande de agudo ingenio, Robert Downey Junior ha nacido para interpretar al descarado genio y filántropo.

Las batallas son espectaculares, las más increíbles vienen por parte de Hulk, tanto en su lucha final con los enémigos como en su enfrentamiento con Thor. La coreografía y dominio de la acción es total: la ciudad  de Nueva York es convertida en un campo de batalla sin igual. Los efectos especiales, planos, música y  vestuario están cuidados al más mínimo detalle, pero siempre al servicio de las luces y bambalinas más que de un guión profundo y empático.


Lo peor de la película es sin duda Scarlett Johanson (como La Viuda Negra), resulta surrealista que su personaje tenga más apariciones que otros mucho más importantes como el propio Capitán América. Da la sensación de que la actriz ha movido todos los hilos posibles para copar planos, conocedora del bombazo que iba a resultar el filme. Y al final lo que ha conseguido es que sus escenas acaben resultando tan  forzadas como aburridas. Otro punto negativo es que Tom Hiddleston (encarnando al dios del engaño Loki, archienemigo y hermano de Thor) está desaprovechado, su actuación es esplendida pero el personaje está disperso, no es el villano definitivo que uno esperaría para un supergrupo de esta magnitud (de hecho estaba mucho mejor en la película de Thor). También falla el ritmo en ciertas ocasiones, el tiempo que pasan los héroes en el helitransporte de The Shield es excesivo y llega a hacerse pesado. 

La película dura dos horas y media, y se nota que han metido tijera, le falta media hora que sin duda los Marvelitas podrán disfrutar cuando salga la versión extendida en dvd y bluray (éste último es el formato ideal para una película de estas características).

En conjunto le doy un notable, aunque ni mucho menos un sobresaliente como anunciaban muchas críticas que leí antes de su estreno. Una película muy recomendable aunque también mejorable en muchos aspectos.

Como curiosidad citar que Disney compró hace unos años Marvel Comics, y la recaudación de Los Vengadores va a salvarle de la quiebra, ya que la superproducción de Disney John Carter costó 250 millones de dólares y en EEUU no ha llegado ni a los 70 millones en taquilla.

Otra curiosidad: el equivalente de Los Vengadores en DC Comics, sería La Liga de la Justicia, compuesta por Batman, Superman, Linterna Verde, Flash (entre otros), esperemos que dentro de poco también tengamos el salto al celuloide de este supergrupo.


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DISTOPÍAS

June 12, 2012, 5:50 am
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"Hay algunos que están aquí para inspirarnos a soñar. Ray Bradbury era uno de esos grandes faros de luz, conocerle y hablar con él fue mágico, en persona era como un niño asombroso. Podía hacer que descubrieras las cosas más simples de la vida con nuevos ojos. Fue el mayor de los profesores, enseñándonos cómo podemos inspirarnos y aprender de cada cosa que experimentamos. Nada en esta vida es trivial o inútil. Todo sirve a un propósito y es lo que te hace ser quien eres, me dijo una vez. Nuestro Universo es un lugar mucho mejor porque él pasó un tiempo aquí".
Tom McLaughlin


Recientemente murió Ray Bradbury, reconocido como uno de los genios de la literatura, dentro del género de ciencia ficción. Algunos de sus trabajos más emblemáticos como Crónicas Marcianas o Farenheit 451 escondían muchos valores humanos que le sitúan como un maestro en la reflexión de conceptos como la conciencia, la moral y la sociedad.

Farenheit presentaba una distopía disfrazada de utopía, bajo esa apariencia de apacible existencia se esconde una perversa pseudovida. Un futuro donde los bomberos provocan incendios en vez de apagarlos, queman libros, cuadros.... ¿Por qué?, para eliminar todo pensamiento creativo, uniformar mentes de tal modo que no haya discrepancias y se eviten futuras guerras y conflictos, de raza, religión, creencias, etc. Y así es, la paz reina, pero en un lugar donde las personas se parecen más a objetos inertes que a seres vivos, muertos por dentro. El hombre, incapaz de dominar el caos y encontrar un equilibrio, opta por el extremo, apagando toda vida interior al tratar de eliminar el desorden exterior.

 (Están Vivos de John Carpenter)

A continuación me gustaría hacer un repaso a algunas de mis obras favoritas (en tebeo, libros y cine) sobre distopías:

1984 de George Orwell (autor de la famosa Rebelión en la granja). Se adelantó a su tiempo creando el concepto de "Gran Hermano", un gobierno que todo lo vigila y todo lo controla, gracias a la tecnología y modernas técnicas de espionaje. Resulta evidente que Orwell, conocedor de la naturaleza de aquellos que están en el poder, sabía que era cuestión de tiempo que los gobernantes acabaran utilizando los crecientes avances para sus propios fines, que no es servir al pueblo (como deberían) sino mantenerse en el poder, ellos mismos y la infraestructura que han creado. Al igual que en la mayoría de las obras que voy a destacar el punto de partida es un frío burócrata que va "despertando", y descubriendo el mundo que hay más allá de las mentiras prefabricadas y el vacío absoluto que le rodea. Sin duda en estas novelas, críticas del sistema, el personaje principal sirve como alterego del lector, un guía con el que sentirse identificado en una llamada al despertar.  Relatos reales como la vida misma, que debajo de las capas de ficción esconden profundas verdades y hacen una llamada de alerta. 1984 es un libro exquisito, Orwell escribe y construye con solidez una tela de araña que atrapa al lector, cambiándole para siempre al acabar la última página.


Un Mundo Feliz, de Aldous Huxley, nos presenta un futuro más amable. Un mundo realmente perfecto (o así lo parece) donde las personas son "creadas" (manipuladas genéticamente) desde su nacimiento, para tener un rango social (predeterminando su físico e inteligencia). Más que una advertencia sobre la manipulación genética yo veo, a título personal, una crítica de cómo la sociedad va disponiendo el lugar que cada uno debe ocupar. Las personas se dividen en alfas, betas, gammas, deltas y epsilones, ya que sus trabajos se adecuan a sus particularidades o aptitudes. Y por si hubiera alguien descontento, existe el "soma", una droga que devuelve la alegría y que el propio Gobierno reparte para mantener el estado anímico de sus ciudadanos. Junto a 1984 y Farenheit 451, resulta un título imprescindible.

En cine voy a destacar películas desconocidas, por una u otra razón:


Equilibrium, protagonizada por Christian Bale, es un compendio de las obras de Huxley y Bradbury, anteriormente citadas. Cualquier elemento creativo creado fuera del sistema establecido es destruído (junto con la eliminación de los que se resisten a este nuevo orden). Y, por si acaso, se obliga al consumo de "Prozium", una droga que aísla de las emociones, dejando sólo la más pura lógica y eficiencia, sin sentimientos que enturbien el "buen hacer". Equilibrium fue realizada en el 2002 y a pesar de su reparto y presupuesto (no se trata precisamente de una película independiente) inexplicablemente jamás llegó a la cartelera española. El filme está lleno de espectaculares peleas y coreografía, con un guión y personajes bastante bien construidos, no se sostiene solamente en la pura acción y se hace muy entretenida, un producto de notable. Como curiosidad citar el arte marcial inventado en la película, el "Gunkata": a base de práctica, estadística y cálculo mental es posible predecir en qué posición colocarse para disparar con mayor precisión, en el menor tiempo posible y con el máximo número de bajas al mismo tiempo que evitamos el fuego enemigo. Excelente dirección que demuestra cómo se puede combinar adrenalina y reflexión en una misma cinta.


Cuando el destino nos alcance, protagonizada por dos grandes: Charlton Heston y mi adorado Edward G. Robinson (actor de físico pequeño y talento incomensurable), su título original, Soylent Green, ha sido homenajeado múltiples veces (un ejemplo son los anuncios de alimentos de tv que aparecen en la serie Futurama). Un clásico, bastante desconocido a nivel popular, de bajo presupuesto, (no abundan los decorados, efectos especiales o una cuidada fotografía) que recuerda a una obra de teatro, sostenida por un estupendo guión, historia, dos magníficos actores y un final que pone los pelos de punta.

La que sí es conocida es La Fuga de Logan, aquí se retrata una sociedad donde todos son jóvenes y hermosos. Aquellos que pasan de cierta edad son conducidos al "Carrusel" para renacer, y los que se resisten a esta ceremonia son eliminados y se les considera desaparecidos para siempre. Una clara metáfora de las religiones que ofrecen vida eterna o reencarnación a cambio de sumisión y obediencia ciega. Como ocurre en Equilibrium o Farenheit 451, aquel encargado de mantener las normas (el vigilante, bombero, clérigo, burócrata) será el primero en cuestionar y ayudar a derribar el orden establecido, como un moderno Mefistófeles, que en el fondo siempre ha sido una figura simbólica de la libertad del hombre y su capacidad para cuestionar todo lo que se da por hecho. La caída a los infiernos no es más que una metáfora del breve instante de confusión al despertar nuestros sentidos para, a continuación, hacernos responsables de nuestro propio destino, "mejor reinar en los infiernos que servir en el cielo".

(ilustración de Gustavo Dore de Satán para El paraiso perdido de John Milton)

También destacar Están Vivos, de John Carpenter que, a pesar de ser de los 80, tristemente hoy tiene más vigencia que nunca. Carpenter quiso denunciar el capitalismo salvaje de la época de Ronald Reagan. Unos alienígenas implantan mensajes subliminales (obedece, confórmate, consume...) al mismo tiempo que controlan las fuerzas del orden y la política. ¿Resultado?, los ricos son cada vez más ricos y los pobres más pobres, desapareciendo la clase media para instaurar un sistema de privilegiados y oprimidos. Algunos "humanos" ayudan a los invasores a destruir su propio mundo, sólo para subirse al carro de los poderosos, sin importarles las consecuencias a largo plazo.



Y para finalizar: en tebeo, aquel que más recoge la herencia "orwelliana" es V de Vendetta, de uno de los mejores guionistas del cómic, Alan Moore. Una obra de arte (como casi todo lo creado por Alan Moore) que demuestra que la historieta aún no está lo suficientemente valorada y descubierta, a pesar de su reciente popularidad en los últimos años, gracias al cine. Curiosamente ha sido el cine lo que más ha enfadado al señor Moore, ya que la adaptación de La liga de los hombres extraordinarios le alteró considerablemente (y no es para menos visto el bodrio que hicieron). Esta ofensa se sumó a la gran metedura de pata por parte de la productora de V de Vendetta, al poner falsamente palabras en su boca para la promoción del filme: llegaron a decir que Alan Moore había afirmado que el filme era la mejor adaptación que se había hecho de una obra suya, cuando en realidad ni siquiera había llegado visionarlo. Al final la productora tuvo que disculparse con Moore, pero el daño ya estaba hecho. Así que el genial y excéntrico escritor prohibió que su nombre apareciese siquiera en los créditos de la película (y lo mismo para posteriores adaptaciones como Watchmen).





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X MEN ORIGINS: WOLVERINE

August 10, 2012, 3:54 am
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Tanto para los fanáticos de los superhéroes, como para los que no lo son, me gustaría recomendar este título, disponible en todas las plataformas. Desde hace tiempo la mayoría de juegos que saca Marvel Comics suelen ser una castaña tremenda, esto tiene su explicación: lo normal es que un un juego medianamente bueno tarde una media de 4 años en desarrollarse y las películas actualmente tardan 2 años; con lo cual el material que se produce para consolas a tenor del estreno suele ser puro merchandising, hecho con el mínimo esfuerzo, para aprovechar el tirón de la publicidad ya hecha en cine. Y es una pena, porque los juegos que lanzaba Marvel, antes de su éxito en las pantallas, eran bastante buenos, en especial los de Mega Drive.

Pero X Men Origins: Wolverine me ha sorprendido gratamente, sin duda lo mejor hasta la fecha del mutante canadiense. Aquí el juego supera al filme, que cumplía en lo que a acción se refiere, pero que era bastante flojo en conjunto comparado con el resto de la saga de la Patrulla X.

Estupendos gráficos, impresionantes escenas de acción, ambientación, jugabilidad....no le falta nada. Un nivel de adicción sólo comparable el famoso God of War. Los amantes de este personaje disfrutarán de lo lindo, pocas veces se ha logrado captar la esencia de Lobezno de una manera tan real: sus movimientos, velocidad y ferocidad se reflejan de manera sublime. La variedad de ataques y combos son espectaculares, así como las ejecuciones donde podremos destripar, empalar e incluso utilizar el entorno para muertes más originales con un alto nivel de gore. 

Respecto a sus poderes: tenemos una opción de visión térmica que nos permite experimentar los hiperdesarrollados sentidos de Lobezno, para distinguir mejor a nuestros enemigos o seguir su olor. Según vayamos consiguiendo puntos de experiencia podremos añadir o bien aumentar ciertas habilidades (curación, resistencia a daño, furia berserker). Al bloquear golpes iniciamos impresionantes contrataques que reflejan la combinación de las artes marciales que posee Logan junto con su ferocidad animal. Su factor de curación funciona en tiempo real, podremos ver como se cierran los agujeros de su piel e incluso, si estamos muy dañados, ver parte del esqueleto de adamantium (costillas, craneo) según el daño recibido, con lo que el nivel de detalle y realismo es bastante alto. También tenemos el famoso estado berserker (furia total) que nos servirá para salir de algún apuro cuando nos veamos rodeados.





La dificultad es media, para alguien ya experimentado no supondrá un gran reto pero tampoco hay que descuidarse, algunos jefes finales son chungos. Tampoco hay que apoyarse demasiado en el factor curativo, si no empleamos debidamente sus habilidades podemos sobrecargarlo y diñarla antes de darnos cuenta. Los enemigos destacan por su variedad y puntos débiles, hay que saber pillarle el tranquillo a cada uno, van desde la típica carne de cañón en la que clavar nuestras garras hasta los especialmente duros y puñeteros. Como aliciente, tenemos algunos puzzles y persecuciones (escapando de las ráfagas de un helicóptero o huyendo de una inundación) que aumentan el interés para que el machacabotones de garras no se vuelva monótono. También cuenta con interesantes fases, como cuando perdemos nuestra capacidad de regeneración y agudos sentidos; y habrá que aplicarse al máximo hasta recuperarse si queremos sobrevivir.

La historia conecta con la película, mezclando datos que ya conocemos (la pelea en el bar con Dientes de Sable) con otras partes no vistas como infiltrarse en una fábrica de Centinelas (robots cazamutantes), y la verdad es que entretiene y es mejor que el propio filme. Las escenas que van presentando el principio o final de cada capítulo son una gozada. Y tenemos atmósferas muy variadas: la jungla, en la nieve, una central abandonada, etc.



Podemos desbloquear trajes e incluso luchar en la "Sala de Peligro" contra versiones de nosotros mismos. Aquí pondremos realmente  a prueba nuestros reflejos, sobre todo si es antes de haber aumentado nuestro factor de curación, daño, furia, etc. 

Junto con Spiderman: Shattered Dimensions (del cual hice en su momento un avance y tengo previsto hablar más extensamente de él), éste es uno de los mejores juegos que ha sacado Marvel hasta la fecha. En conjunto le doy un sobresaliente: tremendamente divertido y adictivo, realizado en todo su conjunto con bastante esmero. 

Una curiosidad: la traducción de Wolverine no es Lobezno en realidad. Wolverine en España se llama "Glotón" (también conocido como Carcayú) un nombre demasiado afable para un mustélido que se caracteriza por tener muy mala leche. Su ferocidad, garras y fuerza (desproporcionada a su tamaño) le convierten en un temible rival.

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CRÍTICA LOS MERCENARIOS 2

September 3, 2012, 1:10 am
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En líneas generales: decepcionante, para empezar demasiado gallo en el gallinero, apenas da tiempo con tanta "estrella invitada" a los impresionantes enfrentamientos (como entre Dolph Lundgren y Jet Li) que veíamos en la anterior entrega. Tipos como Randy Couture o el mencionado Lundgren apenas se lucen.

Las  escenas de tiros y explosiones son impresionantes pero los pocos momentos que hay a puñetazo limpio dejan bastante que desear, por ejemplo: Van Damme no tiene más que una pelea en todo el metraje y encima es en un lugar cerrado, oscuro y con una coreografía que da pena. Más de lo mismo con Scott Adkins, de nuevo una coreografía mediocre, donde apenas se distingue nada y con una fotografía demasiado oscura. Y es una pena porque este actor es un crack de las artes marciales (realmente impresionante). Bruce Willis y Chuck Norris no están lo suficientemente aprovechados para mi gusto, pero aún así realizan una digna participación, no así con Schwarzenegger, que está horrible, todo el rato autoparodiándose, una broma o dos puede tener un pase pero llega un momento en que queda ridículo.


Los personajes, los diálogos o la misma trama son de verguenza ajena, evidentemente un servidor sabía lo que iba a ver (no se trata de un guión de Woddy Allen o Ingmar Bergman), sólo un rato de diversión, pero es que hay momentos en que te dan ganas que la butaca del cine tenga un mando a distancia para ir dándole hacia adelante, hasta la siguiente ensalada de tiros.

Si una frase define esta secuela es "mucho ruido y pocas nueces", me quedo con la primera parte. Qué triste que hasta películas directas a dvd como Undisputed 3 (protagonizada por el mencionado Adkins) cumplan más y mejor que este pretendido homenaje al cine de acción con todos sus iconos. Y hablando de filmes directos a venta/alquiler, quiero aprovechar para recomendar Universal Soldier: Regeneration. Protagonizada por Jean-Claude Van Damme y Dolp Lundgren que, con un bajo presupuesto, el producto final está bastante logrado: hostias como panes (de esas que duelen sólo de verlas), trama coherente y personajes más que aceptables. En conjunto una dirección bastante buena que sabe sacarle partido y el máximo jugo a los pocos medios con los que cuenta, vamos la completa antitésis de Los Mercenarios 2.



Como curiosidad citar que, junto a Lundgren y Van Damme, nos encontramos a Andrei (The Pitbull) Arlovski, una mala bestia, campeón mundial de Sambo (arte marcial ruso) y también ex campeón de pesos pesados dentro de la UFC  (Ultimate Fighting Championship) máxima empresa representante de la modalidad MMA (Mixed Martial Arts) cuyos competidores (entre ellos Randy Couture por poner un ejemplo) se encuentran entre los mejores luchadores del mundo. Y ya de paso recomiendo los videojuegos lanzados por la UFC (esta compañía se caracteriza por cuidar con mimo la calidad de todo el merchandising que lleva su firma), que harán las delicias de los amantes de los juegos de lucha.

(Randy Couture en un ring de la UFC)








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CRÍTICA EL EXORCISTA III

January 25, 2013, 5:31 am
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Hoy me gustaría recomendar El exorcista III (1990), una de mis películas favoritas que combina, de manera sublime, dos de mis temáticas predilectas: lo sobrenatural y el género negro. 

El Exorcista (1973) está basada en un libro de William Peter Blatty (el cual se encargó de la adaptación del guión para la gran pantalla). Causó una fuerte impresión en su época y aún sigue poniendo los pelos como escarpias, esto dio paso a una secuela que causaba pavor, pero por la falta de calidad y el sinsentido de la misma. Para la tercera parte, William Peter Blatty además de guionista, ejerció de director.


Mientras que la primera sigue siendo recordada y venerada, la tercera ha sido injustamente denostada y dejada en el olvido. Seguramente, por el mal sabor de boca que dejó la secuela y la desconfianza general del público hacia las continuaciones de los clásicos. Un temor nada infundado, ya que muchas veces se quiere aprovechar el tirón de un éxito, aunque las ideas y/o talento no acompañen a los propósitos de sacar más pasta del filón. En este caso William Peter Blatty prescinde de la aberración que supuso la segunda y conecta directamente con la historia de la original, presentándonos varios años después cómo es la vida de varios personajes que estuvieron relacionados con el padre Damien Karras (basándose en su propio libro: Legión). Todo arranca por la aparición de un asesino en serie que está conectado con todos los que tuvieron algo que ver con el exorcismo de Regan.


William Peter Blatty demuestra una habilidad para la dirección como pocas veces he visto, y eso que éste fue su segundo, y desafortunadamente último, trabajo como director. Un filme casi perfecto, pura poesía en el uso de planos, música, actores y diálogos, que dan a luz una atmósfera tan escalofriante como aquel microcosmos que era la habitación de Regan. Blatty, inteligente y astuto, sabe cómo despertar en nosotros todo tipo de miedos atávicos al mismo tiempo que crea intriga con un notable thriller. Los actores son magníficos, de protagonista George C Scott  (Patton,  HardCore) y destaca un magnífico Brad Douriff (Alguien voló sobre el nido del cuco, El señor de los anillos), quizás el nombre no suene en España pero su rostro resultará familiar a todo el mundo, un secundario clásico cuyo trabajo sobrepasa a cualquier insulsa superestrella que puebla los carteles de cine.

(Brad Dourif) 

Anécdota: cuando llamaron a George C Scott para que fuera a recoger el Oscar dijo que iba a estar muy ocupado viendo un partido de hockey. Palabras textuales cuando le preguntaron por su opinión del evento: "no tengo nada en contra de los Oscar, pero me parece un mercado de carne que poco o nada tiene que ver con el cine". De los pocos que no se vendió a Hollywood y siguió dando lo máximo de sí mismo hasta su muerte (no como DeNiro, Al Pacino o Morgan Freeman, por poner algunos ejemplos, que sólo saben extender la mano para el talonario y poner cara de estreñidos, mientras hacen de sí mismos).






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10ª Muestra Syfy de Cine Fantástico el próximo 7 de marzo en Madrid

February 7, 2013, 9:02 am
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“Oz, un mundo de fantasía” inaugura la X Muestra Syfy de Cine Fantástico el próximo 7 de marzo en Madrid


Del  7 al 10 de marzo se podrá ver en los cines Callao de Madrid una selección de películas de género que no se han estrenado en cines comerciales. Además del preestreno de la nueva película de Disney, “Antiviral”, “Chained”, “Cabin in the woods”, “Kenshin, el guerrero samurái” y “Cockneys Vs Zombies” completan el avance del programa.                                                                                                            

La actriz Leticia Dolera repetirá un año más como presentadora de la Muestra, que este año celebrará su décimo aniversario por todo lo alto con más proyecciones y actividades paralelas.

Nacho Vigalondo y su Trash entre amigos serán de nuevo los encargados de poner una peculiar banda sonora a una de las proyecciones, con sus irónicos comentarios al hilo de la película.La sesión doble de Phenomena también repite en la Muestra, en esta ocasión con las cintas “Alien” y “Desafío Total”


Como cada marzo, vuelve puntual a su cita con la cartelera madrileña la Muestra Syfy de Cine Fantástico, que este año celebra su décima edición con el preestreno de “Oz, un mundo de fantasía” el jueves 7 de marzo. La película, dirigida por Sam Raimi, recrea los orígenes del Mago de Oz y cuenta con un destacado reparto que incluye a Rachel Weisz, Michelle Williams, Mila Kunis y James Franco, quien interpreta a un joven mago con ansias de triunfar en el País de Oz pero que deberá afrontar multitud de obstáculos si quiere convertirse en un gran hechicero.

El avance de la programación incluye la inquietante película “Antiviral”, debut como director del joven Brandon Cronenberg, hijo del cineasta David Cronenberg (“Promesas del este”, “Una historia de violencia”). En un mundo en el que las personas compran y venden virus de gente famosa, el joven Syd March (Caleb Landry Jones) se inyecta a sí mismo un virus de la popular Hannah Geist (Sarah Gadon). La hija de otro ilustre cineasta - en este caso de David Lynch - también estará presente en la Muestra. Jennifer Lynch es la directora de “Chained”, premio especial del jurado en la pasada edición del Festival de Sitges, en la que un desequilibrado taxista convertirá a un niño en cómplice de sus crímenes.


La película “Cockneys Vs Zombies” hará las delicias de los fans de los muertos vivientes, que presenciarán la lucha de los hermanos Cockney por salir con vida de una invasión zombi en Londres. Otra de las joyas de esta décima edición de la Muestra es la proyección de “Cabin in the woods”, una de las mejores películas de terror de los últimos años donde los guionistas Joss Whedon (Los Vengadores) y Drew Goddard (Monstruoso) ponen patas arriba al típico body count ambientado en un bosque con un largometraje que es mejor descubrir sin tener demasiada información sobre él.

Además, el cine japonés tendrá cabida en el evento con la proyección de la esperadísima película épica “Kenshin, el guerrero samurái”, basada en el manga creado por Nobuhiro Watsuki. Completarán la cita con oriente la comedia de terror “Dead Sushi” y “Wolf children”, mejor película de animación en el último Festival de Sitges.

Syfy, el canal temático de la imaginación y la fantasía producido por Universal Networks International, colabora de nuevo con Versus Entertainment para llevar  al público el mejor cine de género fantástico, tan presente en el canal, haciendo posible un acontecimiento único en el panorama cultural madrileño.
Los espectadores podrán ir conociendo más información sobre Syfy y la Muestra en la página web de Syfy, además de en la página de Facebook del canal y el twitter @Syfy_Spain con la etiqueta  #LaMuestra.

Reportajes sobre pasadas ediciones:

Terror, ciencia ficción o anime, protagonistas de la IV Muestra de Cine Fantástico


Atracón de buen cine de terror en la V Muestra


Rostros del horror


Itinerario por la VII Muestra


Entre el sadismo asiático y el gamberrismo gore


Terror apocalíptico
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Reportaje sobre la X Muestra Syfy de Cine Fantástico en Madrid

March 12, 2013, 3:31 pm
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foto: Gabriel del Valle

Este año ha sido el décimo aniversario de la Muestra de Syfy, para alegría de cinéfilos en general y amantes del género fantástico en particular. El festival continúa dando muestra de su buena salud en la excelente selección de este año, como siempre películas en versión original, a un precio inmejorable (3,50 euros la sesión), muchas de ellas independientes y de dudoso estreno en España ya que no son importantes productoras las que están detrás, pero lo compensan de sobra con ingenio y talento, elementos que muchas veces escasean en los principales circuitos comerciales que abarrotan las salas con auténticos engendros cinematográficos.
                       
    Leticia Dolera repitió como anfitriona en esta 10ª Edición 
(foto: Gabriel del Valle)



Oz, un mundo de fantasía

Distribuidora: Disney
Nacionalidad: EE.UU.
Director: Sam Raimi
Guión: Mitchell Kapner y David Lindsay-Abaire
Música: Danny Elfman
Reparto: James Franco, Michelle Williams, Mila Kunis, Rachel Weisz


Como viene siendo costumbre en el festival, la elegida para para arrancar fue la más mainstream. El último lanzamiento de Disney cuenta las aventuras de aquel que se convertiría en el mago de Oz antes de la llegada de Dorothy, una precuela que explica los orígenes de algunos personajes de aquella fabulosa tierra. El director, Sam Raimi, fue uno de los iconos del género en Estados Unidos en los 80 con Posesión Infernal. Aunque Oz, un mundo de fantasía poco tiene de espectacular a pesar del buen hacer de Raimi, se nota la influencia de Disney ya que el guión, personajes y desarrollo de la historia están muy limitados. Unas veces el director es el progenitor de la película y otras un mero tutor como es éste el caso. Se nota el porqué de la caída de Disney (únicamente frenada por hábiles movimientos como su asociación con Pixar o la compra de Marvel Comics), un nivel de producción espectacular, visualmente impresionante pero falto de emoción, esas son las principales características de Oz, un mundo de fantasía, que pasa sin pena ni gloria con un mero aprobado.



Kenshin, el guerrero Samurai

Nacionalidad: Japón
Director: Keishi Ohtomo
Guión: Nobuhiro Watsuki
Música: Naoki Sato
Reparto: Emi Takei, Takeru Sato, Yû Aoi


Los personajes son todos prototipos en un guión que no guarda ninguna sorpresa: el guerrero que huye de su pasado, y en su peregrinaje ayuda a doncellas en apuros, para así enfrentarse a despiadados asesinos y villanos megalómanos (no falta el forzudo y bravucón luchador de turno), aún así no aburre en ningún momento gracias a una estupenda dirección. Una gozada el uso de planos, narrativa, música, fotografía.....excelente traslación a la gran pantalla de uno de los más famosos mangas. Destaca sobre todo la coreografía en las luchas (con espada, armas de fuego, a puñetazo limpio) que resultan sencillamente impresionantes.


Grabbers

Nacionalidad: Reino Unido / Irlanda
Director: Jon Wright
Guión: Kevin Lehane
Música: Christian Henson
Reparto: Richard Coyle, Ruth Bradley, Russell Tovey


Si otros años elogiábamos el buen hacer de los ingleses con el humor negro, en una excelente combinación de gore y humor, este filme británico/irlandés no se queda atrás. Unas extrañas criaturas asedian un pequeño pueblo costero recordándonos aquellas míticas películas ochenteras que siempre nos arrancaban una sonrisa  con sus monstruos y sus personajes entrañables. Grabbers retoma la vieja formula de un grupo que tendrá que sobrevivir a una noche infernal, mientras son asediados por extrañas criaturas y parapetarse en... un bar a ritmo de cervezas y whisky, un guión que demuestra la capacidad de los irlandeses para reírse de sí mismos.


Cockneys vs zombies

Nacionalidad: Reino unido
Director: Matthias Hoene
Guión: James Moran
Música: Daniel Bronks
Reparto: Michelle Ryan, Alan Ford, Harry Treadway, Rasmus Hardiker


Delincuentes de baja estofa, junto a un grupo de jubilados, se ven enfrentados a un ejercito de zombies. Al igual que en Grabbers la carcajada está asegurada con esta cinta (ambas merecedoras de un notable), con numerosos gags, situaciones y diálogos llenos de humor. También ambas cuentan con un nivel de producción y dirección por encima de la media, los efectos especiales y detalles técnicos están bastante cuidados. Si Grabbers intenta dar muestra del espíritu irlandés Cockneys vs zombies hace lo mismo en versión Londinense, ya que el termino "cockney" se utiliza para denominar a la clase obrera en Londres. Los currantes de toda la vida que llevan viviendo generaciones en el mismo barrio no están dispuestos a ceder terreno, ni ser expulsados, ni siquiera ante una plaga de los muertos vivientes. Se agradece la corta duración de una historia que dura lo justo, no se hace pesada ni aburrida en ningún momento (a diferencia de Oz, un mundo de fantasía).



En contraposición a los filmes anteriormente mencionados donde te reías "con" ellos en este caso te ríes "de"  Boneboys y Twixt, que pretenden ser realizados en serio y sólo logran el ridículo más espantoso:

Boneboys
Nacionalidad: EE.UU.
Director: Duane Graves, Justin Meeks
Guión: Kim Henkel
Música: Josh Morrow
Reparto: Ali Faulkner, Phillip Wolf, Edwin Neal, Derek Lee Nixon


Kim Henkel que, al igual que Sam Raimi, fue responsable de una de las más míticas cintas del género (La matanza de Texas, de 1974) se cubre de gloria habiendo escrito el guión de Boneboys, una abominación donde directores y actores parecen haber sido poseídos por el espíritu de Leslie Nielsen: situaciones surrealistas, actuaciones histriónicas e historia absurda....Un disparate sin sentido en un intento de sobrecoger al espectador, pero que sólo consigue traumatizarle y no por su violencia sino por su ínfimo nivel de calidad final. Boneboys arranca como una historia de supervivencia de unos niñatos que se aventuran en barrios poco recomendables y va degenerando hasta alcanzar la putrefacción.



Twixt

Nacionalidad: EE.UU.
Director: Francis Ford Coppola
Guión: Francis Ford Coppola
Música: Dan Deacon, Osvaldo Golijov
Reparto: Val Kilmer, Bruce Dern, Elle Fanning, Ben Chaplin


Coppola decide mancillar sus años pasados de gloria, escribiendo, dirigiendo y produciendo Twixt: un escritor llega a un pueblo lleno de misterio, mientras intenta superar su atasco profesional, su alcoholismo y la muerte de su hija, todos elementos clásicos de numerosos thrillers. El problema está en que, a pesar de la excelente fotografía (lo más destacable del filme) y una correcta producción, el guión y personajes son de telefilme barato, digno de la hora de la siesta o de horario de madrugada. En lo que sí ha acertado Coppola es con la elección del protagonista: Val Kilmer, tan acabado y caduco en la vida real como el propio personaje al que interpreta.



John Dies at the end


Nacionalidad: EE.UU.
Director: Don Coscarelli
Guión: Don Coscarelli
Música: Brian Tyler
Reparto: Chase Williamson, Rob Mayes, Paul Giamatti, Clancy Brown


Coscarelli (El señor de las bestias, Buba Ho-Tep) otro representante, al igual que Raimi, del cine fantástico por su Phantasm (donde "el hombre alto" destruía pueblos y profanaba cadáveres gracias a sus bolas de pinchos voladoras) vuelve a la carga con John Dies at the end, que guarda bastantes similitudes con Phantasm, aunque en un tono más amable: extrañas criaturas que atraviesan portales y así llegar a nuestro mundo desde universos alternativos, para hacernos la vida imposible. Como explica uno de los personajes, el infierno no está en una especie de inframundo se encuentra entre nosotros, acechando, aunque sólo unos pocos son capaces de verlo, como la pareja protagonista, dos amigos que, gracias a una droga, serán capaces de ver el peligro que acecha a la humanidad y convertirse así en  detectives de lo sobrenatural. El resultado final es una comedia muy recomendable para los amantes del género, llena de ingenio y bien llevada, una especie de Gran Lebowski a lo Lovecraft con toques de Donnie Darko. Cuenta con la participación de actores como Paul Giamatti o el siempre competente Clancy Brown (conocido sobre todo por su papel de Kurgan en Los Inmortales o de sargento cabrón en Star Ships Troppers).



Wolf Children


Nacionalidad: Japón
Director: Mamoru Hosoda
Guión: Mamoru Hosoda, Satoko Okudera
Música: Takagi Masakatsu


De nuevo la Muestra vuelve a contar con una animación dirigida por Mamoru Hosoda (Summer Wars, La chica que saltaba a través del tiempo), que nos trae una historia que bien podría tratarse de una creación de Jiro Taniguchi (uno de los más populares escritores de manga, caracterizado por la fuerza emocional de sus relatos) visto sus temas claves: la importancia de la familia, encontrar tu propio destino, la niñez, adolescencia y madurez, la conexión con la naturaleza. Una cinta emotiva, llena de ternura, donde priman los sentimientos, no es tanto el destino final como el propio viaje lo que importa, las transformaciones de los personajes y lo que van compartiendo según avanzan juntos.


Cabin in the woods

Nacionalidad: EE.UU.
Director: Drew Goddard
Guión: Joss Whedon, Drew Goddard
Música: David Julyan
Reparto: Kristen Connolly, Chris Hemsworth, Anna Hutchison, Fran Kranz

Un grupo de jóvenes decide pasar un fin de semana en una cabaña en el bosque, donde todo apunta a una inminente matanza, sin embargo nada es lo que parece. Cabin in the woods fue una de las sorpresas más satisfactorias del festival, el veterano Joss Whedon y un novato en la dirección, Drew Goddard se han unido para realizar uno de los mejores homenajes que se han hecho al cine de terror. Utilizando todos los clásicos y tópicos posibles en este género consiguen un producto final que resulta de lo más original que se ha visto en mucho tiempo, convirtiéndolo en un imprescindible. Una cinta que va mejorando según avanza, no decae en ningún momento y contiene escenas memorables, genial tanto en su planteamiento y desarrollo, como sorpresa final. Habrá que seguir la pista a Drew Goddard que ya promete en éste, su primer largometraje.



The Last Exorcism 2


Nacionalidad: EE.UU
Director: Ed Gass-Donnelly
Guión: Damien Chazelle, Ed Gass-Donnelly
Música: Michael Wandmacher
Reparto: Ashley Bell, Spencer Treat Clark, Andrew Sensenig

Aunque correcta en su realización no aporta absolutamente nada, tan entretenida como olvidable. Su principal defecto es que recurre constantemente al susto fácil (imágenes y ruidos repentinos) más que en crear una atmósfera inquietante o un guión y personajes que interesen, resultando muy predecible.

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CRÍTICA POSESIÓN INFERNAL (2013)

March 31, 2013, 10:16 am
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Fede Álvarez, no lo tiene nada fácil con Posesión Infernal (2013), su primer largometraje, ya que se estrena como director haciendo un remake de una obra muy querida y venerada por legiones de fans. Y más teniendo en cuenta el recelo inicial que suscita el constante recurso de Hollywood de producir revisiones de los clásicos. Seguramente, más que por falta de ideas, se deba al cebo que supone para varias generaciones que han crecido con las películas de los 70 y 80, ya que sólo por la nostalgia muchos están dispuestos a visionar dichos remakes a pesar de sus recelos. Este director uruguayo consiguió atraer la atención de cineastas estadounidenses en el 2009 con su corto Ataque de pánico, que arrasó en youtube al poco de colgarlo.

(Póster de 1981)

Posesión Infernal (Evil Dead, 1981) ha pasado a la historia como uno de los iconos del género, sus planos subjetivos de espíritus arrasando por el bosque, su “libro de los muertos” o la cabaña destartalada, han sido homenajeados mil veces en pósters, cómics y numerosos filmes (uno de los últimos homenajes se vio claramente en Cabin in the Woods, todo un tributo al cine de terror). Su director Sam Raimi, pasó de hacer filmes sin un duro, junto a su amigo de toda la vida, Bruce Campbell, a engrosar las listas de los principales directores estadounidenses con taquillazos como Spiderman (2002). Raimi, aunque haya pasado con los años de un cine de corte fantástico a otro más mainstream en general se ha mantenido como un director bastante competente.

Evil Dead 2013 posee las  mismas virtudes y defectos que muchos remakes que han ido apareciendo en la última década: más presupuesto y más medios pero carece de ese encanto, donde se iba creando una atmósfera inquietante que lograba hacerte olvidar que estabas en una butaca y te trasladaba a un reino de pesadillas. De todos modos hay que romper una lanza a favor de las “revisiones” ya que siempre aporta ver antiguas obras bajo otro prisma para contemplar la evolución del género. Igual que un  viejo modelo de coche que todos adoran pero, al mismo tiempo, todos tienen curiosidad por ver el nuevo diseño.

(imagen del remake)

En este caso Fede Álvarez demuestra su habilidad con una excelente realización, un cuento de terror que supone un chute de adrenalina y escalofrío para el espectador. No abusa del manido efecto de “susto por sobresalto” con imágenes y ruidos repentinos, sino que se esfuerza por conseguir escenas realmente impactantes de las cuales estaría orgulloso Raimi (no en vano tanto el propio Raimi como Campbell participan como productores en el remake). Aunque Posesión Infernal 2013 no aporta gran cosa frente a la original y no destaca como algo notable dentro del género, cumple de sobras con su propósito que es hacer pasar un buen rato y meter el miedo en el cuerpo. También hay que tener en cuenta que ya no es tan fácil innovar como en los 70 y los 80, décadas en las que el desarrollo de los efectos especiales artesanales iba a la par que la aparición de jóvenes cineastas que luchaban contra viento y marea por llevar a cabo sus proyectos. El mérito de la original fue llevar al espectador a terrenos que no había pisado antes, Raimi y su cuadrilla fueron pioneros y marcaron una época de descubrimiento. La fuerza de la original no residía en un guión brillante o unos personajes muy elaborados sino en el talento de Raimi para saber explotar como nadie esos terrores atávicos que Lovecraft supo vislumbrar en sus relatos, escribiendo sobre pesadillas primigenias que existían mucho antes del ser humano, y que se nos revelan a través del inconsciente, en una especie de memoria genética despertada por las hábiles manos de Raimi.

(Bruce Campbell como Ash)

Como curiosidad comentar que ya existe un remake de Posesión Infernal, realizado por el propio Raimi, Evil Dead II, de 1987 (titulado en España como Terroríficamente Muertos). Raimi con más medios (la primera se hizo con un presupuesto ínfimo para lo que suele costar un largometraje y sin apenas equipo de rodaje) y donde el terror iba evolucionando al humor negro. El personaje de Ash, interpretado por Bruce Campbell, adquiría un mayor carisma como héroe y daba buena cuenta de los poseídos por el Necronomicón a golpe de rifle y su customizada motosierra. En 1992 llegó la siguiente parte, El ejercito de las tinieblas, donde perdió toda su esencia, más que humor negro el protagonista se asemeja a Jim Carrey con toda suerte de histrionismos y situaciones disparatadas, realizada con evidente intención de parodia y autochiste, pero abusando del tono cómico.



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THE PUNISHER

November 24, 2013, 5:24 am
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Hoy hablaré sobre mi personaje favorito de Marvel Comics: The Punisher, también conocido a veces en España como El Castigador o su nombre real, Frank Castle. Creado por Gerry Conway (responsable de etapas como la muerte de Gwen Stacy en The Amazing Spiderman).

Para los profanos un breve resumen: Castle es el antihéroe por excelencia de Marvel, el lado oscuro frente a superhéroes como Spidey o el Capitán América. Un ex marine que, al volver de la guerra, perdió a su mujer e hijos a manos de unos mafiosos durante una soleada mañana en Central Park. Allí Castle tuvo una epifanía, vio que la guerra no había acabado, que los peligros seguían acechando en las calles, aún habitadas por civiles, y decidió poner en práctica lo que aprendió como soldado, poniendo una bala entre ceja y ceja de cada criminal que fuera encontrando.

Este personaje se repite a lo largo del tiempo: Eastwood como Harry el sucio, el juez Dredd, Rorschach en  Watchmen, El justiciero de la ciudad interpretado por Charles Bronson. Más que antihéroes habría que hablar de la categoría de vigilantes que al tomarse la justicia por su mano, y como bien diría Dredd, son juez, jurado y verdugo. Su atractivo radica en su dureza, mientras que el resto de héroes manifiestan ciertas dudas y angustias existenciales (como Spiderman que a veces llega a pecar de pusilánime) el lector-espectador, encuentra seguridad en los justicieros, duros como la piedra, incorruptibles, infatigables y casi infalibles, llegándose a asemejarse a máquinas pero con sentimientos. Permitiéndome cierto análisis freudiano la sociedad busca cierto sustituto de la figura paterna en ellos, la inseguridad que experimenta el individuo ante una sociedad inútil e incapaz de proteger a sus ciudadanos, provoca que éste encuentre refugio en el vigilante, alguien que sea capaz de llevar a cabo la tarea y con las agallas necesarias para acometerla.


El éxito de The Punisher fue adentrarse en terrenos que pocas veces pisaban otros seres de Marvel, un territorio de yonquis, mafiosos, asesinos en serie, guerras de bandas y desde una perspectiva realista que a veces resulta más excitante que las andanzas de alguien con superpoderes y sin duda un necesario contrapunto ante tanta colorida malla y calzoncillos por fuera. El mundo de Frank Castle es el olor de la cordita, el sonido de huesos partiéndose, balas y cuchillos atravesando carne, ha viajado  a otros países y continentes, ampliado sus conocimientos sobre el mundo criminal de cada cultura y clase social, y también por supuesto, sobre las diferentes formas de infligir dolor. Ninguno ha escapado a su radar, desde vendedores de crack en un oscuro callejón hasta traficantes de animales exóticos.


Su primera aparición fue en los años 70, como invitado especial en la serie de Spiderman. Se notaba que aún persistía un código de cómics para lectores jóvenes, ya que Punisher en alguna de sus primeras apariciones sólo incapacitaba con balas de goma a los secuaces del gánster y en el momento de eliminar al jefe, éste moría por accidente. Aún llevaría un tiempo para poder mostrarle en toda su esencia y, al igual que el trepamuros, acabaría teniendo su propia colección.

También ha tenido su evolución: en sus comienzos era aún un diamante por pulir, todo dureza y con un comportamiento absolutamente maníaco, poco a poco iría suavizándose, adquiriendo tintes de John McClane (Jungla de Cristal) con tiempo para bromas y contacto humano. En los últimos tiempos alcanzó su climax con la colección Max de Marvel (donde se exploraban versiones más realistas de los personajes). Punisher Max mostraba a Frank Castle en su edad real (unos 60 años, lógico ya que es un veterano de la guerra de Vietnam) y más viejo sí, pero más aterrador,  mortifero y con más mala leche que nunca. Con viñetas que evidenciaban un claro homenaje a Clint Eastwood. La primera etapa de esta colección es una maravilla, guionizado por Garth Ennis y dibujada por Leandro Fernández, ambos en estado de gracia. Algo inaudito en el caso de Ennis, ya que suele ser un guionista bastante limitado, obsesionado con ciertos temas que repite hasta la saciedad y acaba resultando cansino. De hecho a la mitad de dicha colección Ennis volvió a sus viejos hábitos y esto, junto con la salida del dibujante (de gran talento y cuyo estilo era perfecto para The Punisher) provocó una bajada de calidad casi inmediata. Pero esto no quita que su primera etapa sea de lo mejor que he leído y recomiendo su lectura encarecidamente.


Adaptaciones cinematográficas

La primera, de 1989, fue protagonizada por Dolph Lundgren (el cual teñido de moreno era la viva imagen de Frank Castle). El filme, aunque ha perdido con el tiempo, para la época estaba bastante bien conseguido, lograba captar la esencia del personaje. Buenas escenas de acción, trama y actores. Bastante recomendable, sobre todo para los amantes del cine ochentero.


La segunda adaptación del 2004, con un Thomas Jane que no acababa de convencer, fue una auténtica aberración, aburrida, pesada e insulsa, con villanos estúpidos. El guión bebía sobre todo de Garth Ennis pero no de su trabajo en Max, sino de una desafortunada incursión que hizo en la serie regular y que daba verguenza ajena con personajes como "El Ruso".

Punisher War zone del 2008, pasó totalmente desapercibida, de hecho creo que ni llegó a la gran pantalla en España, probablemente por la escasa recaudación al estrenarla en navidades, una fecha donde priman más los megaestrenos o las películas familiares. El resultado es notable dentro del cine de acción, con una trama y personajes aceptables que sirven para sostener unas escenas salvajes y llenas de adrenalina (con cualquier tipo de arma de fuego, arma blanca o con sus propias manos). Lo mejor es la atmósfera insana que se respira (con clara inspiración en la serie Max) y comentar la buena elección de Ray Stevenson (conocido sobre todo por su papel de Tito Pullo en la serie de Roma) como protagonista.



Un justiciero en pixel

Respecto a las adaptaciones a videojuego una de las primeras fue para Game Boy, que se centraba en el típico tiro al blanco, luego llegó su paso a máquina recreativa (con posterior lanzamiento de la misma versión para Mega Drive) que era una gozada, claramente inspirado en clásicos como Double Dragón, Street Fighter o Golden Axe. Aquí The Punisher formaba equipo con Nick Furia, lo que permitía jugar a dobles para poder zurrarle la badana a los malosos de turno. 


La última adaptación salió para PC, Playstation 2 y Xbox (compatible con la 360). Un shooter en tercera persona, le doy un sobresaliente, para los fans del Castigador resulta una gozada poder manejarle de una manera tan realista. Ojo, estoy hablando desde la perspectiva de cuando salió el juego (en el 2005) ahora obviamente ha quedado algo/bastante obsoleto si lo comparamos con las actuales tecnologías. Acceso a todo tipo de armas, buena jugabilidad (dentro de su simple manejo), tremendamente divertido y cuyo principal atractivo reside en la variedad de muertes y la posibilidad de interrogar/torturar a los matones.



Y para finalizar me gustaría acabar con una cita de Castle:

“Convirtieron el mundo en un lugar horrible. Dirigían las grandes industrias que envenenaban el aire. Sus negocios convirtieron en esclavos a países enteros. El dinero que sacaban podría haber alimentado y sanado a la población mundial dos veces pero lo único que se les ocurrió hacer con él fue amasarlo. Convirtieron a presidentes en marionetas y empezaron guerras por dinero Al final llegaron a creer que no había nada que no pudieran hacer. Y así un día, inevitablemente.... llegaron demasiado lejos”.  Punisher El fin
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CRÍTICA BULLHEAD (Rundskop)

December 2, 2013, 12:06 pm
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Como amante del género negro de vez en cuando me encuentro con pequeñas joyas como ésta. Bullhead (Rundskop), del 2011 y de origen Belga, es un soplo de aire fresco frente al cine Hollywoodiense, prescinde de trucos, estrategias comerciales, caras famosas para vender el filme y se centra en la esencia más pura del séptimo arte que es el cine. El filme trata sobre una familia de ganaderos (centrada en Jacky, uno de los hijos) implicados en asuntos mafiosos, y en un hecho traumático en la infancia de éste que determinará su destino.

El estilo de rodaje recuerda mucho al cine nórdico, sólo se habla lo imprescindible ya que la historia está contada con algo más que palabras, largos silencios donde la expresión del personaje, el uso de los planos,  la fotografía para captar la atmósfera y la banda sonora, conforman un perfecto perfil de Jacky y su vida.  Así como un pintor consigue captar mejor la esencia de una persona que una mera cámara fotográfica, el director Michaël R. Roska logra el mismo efecto, dotar de alma propia a su creación. Todos los elementos mencionados están en armonía: una fotografía apagada y gris, una música melancólica, unos paisajes inmensos y al mismo tiempo vacíos, acompañados de una aparente tranquilidad, casi apatía, que precede al desastre. Como bien decía el corrupto policía de León, El Profesional: "me encantan estos breves momentos de calma antes de la tormenta".


Aunque en la mayoría del género negro suelen ser habituales los infiernos personales de los protagonistas junto a la trama, aquí sobresale más la historia de Jacky frente a los mafiosos y policías que pueblan su mundo, al final son un adorno, un atrezzo que sirve para conducir mejor esta tragedia griega a su destino. El peso no está tanto en los negocios sucios de la mafia belga/flamenca como en presentar un relato muy intimista sobre un niño que acabó convertido en monstruo, de cómo los traumas del pasado pueden perseguir y condicionar el futuro.

Aunque todo el reparto está magnífico, hay que destacar el excelente trabajo de Matthias Schoenaerts, cuesta trabajo creer que debajo de esa expresión perturbada acompañada de un cuerpo, mímica y rostro absolutamente intimidantes, pueda existir el actor de simpático aspecto que se aprecia en la alfombra roja. En conclusión Bullhead es un trabajo notable que dejará satisfecho, sobre todo a quien busque algo diferente a lo que suele ofrecer la cartelera.


Para finalizar, me gustaría acabar con unas palabras del propio protagonista cuando se queda observando a los animales que pueblan la granja de su familia: "siempre me sentí como estos toros......nunca supe lo que era proteger a alguien, terneros-hijos, como debe ser, porque es tu naturaleza, no tengo lo que debería haber sido mi naturaleza...."

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FELICES NAVIDADES

December 5, 2013, 3:56 am
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                          ¡¡¡Crapulencia sin límites os desea una feliz navidad 
                               y sobre todo acompañada de muchos tebeos!!!!

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CRÍTICA VIDEOJUEGO SPLATTERHOUSE

December 17, 2013, 5:15 am
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Splatterhouse (disponible en Xbox 360 y PS3) es una nueva versión para las últimas generaciones de consolas del clásico que salió en los 80 (tuvo hasta 3 partes). Reunía todos los elementos clásicos del cine de terror, en concreto de aquel que se disfrutaba en autocines, alquilando la cinta VHS o Beta a escondidas de los progenitores o quedándose hasta las tantas para ver las películas que se programaban en horas intempestivas.

La historia original nos mostraba a una pareja que en medio de una tormenta busca refugio en una mansión, el problema es que allí se cometieron horribles experimentos y la casa está poseída por fuerzas diabólicas y habitada por todo tipo de demonios. La chica es secuestrada y el chico acaba moribundo, pero aquí es donde se da un giro de guión de 180 grados, el protagonista sobrevive gracias a una máscara que, al ponérsela, se convierte en un ser de fuerza sobrehumana con un evidente parecido/homenaje al personaje de Jason de la saga Viernes 13. Y aquí es donde radica el principal atractivo del juego, lejos de seguir el rol de víctima habitual en los clásicos de matanzas, el jugador se convierte en una pesadilla hecha realidad, dando cuenta de sus enemigos de forma brutal y con abundante gore. El juego fue pionero en este campo ya que dio el paso a videojuegos más dirigidos a adultos (o por lo menos adolescentes sobrehormonados). Técnicamente no era gran cosa, sus mayores bazas era una ambientación malsana y detalles terroríficos de un nivel que ahora pueden resultar ingenuos pero para la época (se han roto bastantes tabúes desde entonces) resultaban chocantes.


Y Splatterhouse del 2010 resulta ser un digno heredero, ya que logra captar a la perfección el espíritu del original pero con una jugabilidad, diversión y gráficos más que notables. La ambientación es magnífica, cada detalle está cuidado a la perfección: el diseño de la mansión, monstruos y escenarios, las voces de los dobladores.....Incluso se ha tenido el detalle de incluir las tres partes anteriores de la saga, dando así la posibilidad de jugar a las versiones de los 80 y los 90, todo un detallazo para los nostálgicos.

Básicamente es un beat`em up tremendamente divertido, donde iremos desbloqueando todo tipo de golpes para sacar el máximo partido a la mala bestia que controlamos, también haciendo uso de estacas, machetes, escopetas y masacrando todo tipo de bestias infernales que son un claro homenaje a los relatos de Lovecraft (de hecho Cthulhu es mencionado varias veces en los pasajes leídos por West) de la forma más gore posible (arrancando brazos, cabezas) con posibilidad de realizar combos finales que resultan espectaculares por su sadismo. Los programadores han sabido combinar una variedad de elementos en la lucha y siniestros escenarios (incluyendo viajes a otros mundos y épocas) combinados con una banda sonora de death-trash metal con grupos como Mastodon o Lamb of God. Todos estos elementos dan como resultado una deliciosa a la par que malsana atmósfera donde el horror es tu anfitrión, encarnado por el doctor Henry West y la mansión que ha cobrado vida propia. 


La historia y su desarrollo, lejos de ser un mero hilo conductor para la matanza, logra captar nuestra atención con un interesante guión y unos personajes atrapados en palabras del propio Doctor West en una cinta de moebius, sin principio ni fin. Mención especial al magnífico trabajo de los dobladores, donde destaca Richard Doyle como West, casi el principal protagonista, ya que ademas de nuestro enfrentamiento con él no pararemos de encontrar notas, grabaciones y recuerdos en general de este ser, tan cruel como atormentado. La animación incluye Cel Shading, un tipo de renderización que da un curioso efecto de cómic a la animación, como si estuviésemos manejando viñetas animadas.

Henry West, el súmmum de los científicos locos

Entre los detractores se mencionaba el control de cámara (no es perfecto pero dista mucho de merecer las críticas que he leído) o la tardanza de carga del propio juego entre muertes, algo que puede ser molesto sobre todo en las fases donde tenemos que ir dando saltos y cualquier fallo nos hace caer el vacío y empezar de nuevo una y otra vez. Pero he comprobado que eran puras exageraciones, probablemente algunos ansias, acostumbrados a las cargas automáticas, los meros segundos de espera (no llegaban ni de lejos a los minutos que se mencionaba, de hecho cronometrado no alcanzaba ni el medio minuto) les parecían eternos. Hay gente que merecería revivir aquellos tiempos de cargar juegos de casette en Spectrum o Amstrad (aquello sí que era eterno y no de lo que se queja más de un agonías).


En definitiva Splatterhouse 2010, sin alcanzar la perfección, resulta sobresaliente dentro de su género, un juego totalmente recomendable, que te retrotrae a la infancia/adolescencia de esa generación ochentera amante del cine de serie B.


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WES CRAVEN

January 7, 2014, 3:23 pm
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Cuando Wes Craven creó a Freddy Krueger, muchos decían que no daba miedo y que nunca funcionaría. Ahora, el bueno de Freddy es un icono del terror, y su sombrero, jersey a rayas y cuchillas, son símbolos reconocidos en todo el mundo por varias generaciones.  Más profundo de lo que se pudiera pensar, este ser mostraba una especie de reino de los sueños donde los jóvenes eran asesinados por sus más profundos miedos o deseos. Una fuerza cuya misión era destruir la inocencia, un asesino cuya muerte le hizo eterno para pesadilla de los habitantes de la mítica "Elm Street".


Antecedentes

Uno no puede evitar pensar en Wes Craven sin relacionarlo inmediatamente con Krueger, pero sus comienzos tuvieron que ver con un terror mucho más realista. La última casa a la izquierda, uno de sus primeros filmes, donde unos delincuentes secuestran a un par de chicas, le supuso la repudia en los Estados Unidos debido a su crudeza. Se puede observar un curioso contraste entre el cariño de los padres (que esperan pacientes en casa, preparando amorosamente un pastel para el cumpleaños de su hija) y el desprecio y sadismo de los criminales. Con todo esto se pretende transmitir que nadie está a salvo del horror, que puede sorprendernos en cualquier lado. Este tipo de rechazo, que Craven sufrió, no es nada extraño, ya que obras maestras de otros directores, como Scarface, el precio del poder, por poner un ejemplo, fueron tildadas de basura. Y todo por mostrar una violencia que, al fin y al cabo, forma parte de nosotros mismos; será que a la sociedad no le gusta ver reflejada su propia fealdad y, en consecuencia, algunos críticos deciden reaccionar como viejas arpías en negación de lo evidente.

Otras obras representativas de su filmografía son: La serpiente y el arco iris, donde estudió el caso real de los zombis, personas enterradas vivas y mantenidas en un estado cercano a la muerte por poderosas drogas; Las colinas tienen ojos está basada en la atroz historia real de una familia escocesa del siglo XVII, que tendía emboscadas a los viajeros para posteriormente comerse a sus víctimas; Shocker mostraba a un psicópata (en vez de los sueños se movía a través de la electricidad) cuyo mayor aliciente era la interpretación de Mitch Pileggi (conocido sobre todo por su papel de agente del FBI en Expediente X).


También tuvo sus batacazos como Amiga Mortal, una película rodada en una época de crisis para el director. En La cosa del pantano contó con un presupuesto muy ajustado y bajo condiciones de rodaje infernales. Con Un vampiro en Brooklyn el deseo de los productores de ver a Eddie Murphy chocó con el del propio actor que quería interpretar a un personaje oscuro muy alejado de un tono cómico. El resultado fue una película que intentaba conjugar tonos de terror y comedia, pero no consiguió transmitir ninguna de los dos, resultando aburrida. Su gran éxito comercial lo obtuvo con la saga de Scream, que juega con los tópicos de las películas de "Serial Killers".  Sin llegar a ser una maravilla resulta un producto bastante entretenido. Recuerda a las películas de palomitas y autocine, aunque con mejor manufactura.


Curiosidades

Craven pasó su infancia privado de televisión y cine, debido a que a fue criado en un ambiente baptista, fundamentalista, donde el cine era considerado el demonio. Su entretenimiento era devorar libros, por ello no es extraño que mucha de su inspiración le provenga de esta fuente o bien de artículos de periódico. Su mayor fuerza y su mayor debilidad ha sido su propio nombre, que le ha dado poder para ser el productor, director y guionista de multitud de películas pero siempre ligado al género de terror. En realidad, él siempre ha deseado meterse en otro tipo de obras, como el drama que dirigió, Música del corazón, con Meryl Streep en 1999. 

Wes Craven, un hombre con muchas ideas en la cabeza, que unas veces han dado buen fruto y otras no tanto, pero que sin duda ha realizado una importante aportación al cine en general y al género fantástico en particular. Un director que siempre ha disfrutado llevando al espectador a los límites del miedo y la locura, consiguiendo liberarle de ambos, con el cine como escape.

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CRÍTICA LA DALIA NEGRA

January 29, 2014, 11:58 am
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La Dalia Negra está ambientada en Los Angeles de los años 40 y se centra en dos policías, interpretados por Aaron Eckhart y Josh Harnett, y en la relación que ambos comparten con el personaje de ScarlettJohansson. Ambos investigan el horrible asesinato de una aspirante a actriz. Un caso basado en una persona real: Betty Short a la que los periódicos apodaron “La Dalia Negra” debido a su pelo negro, vestimentas oscuras, una flor prendida del pelo y al estreno de la película La dalia azul, protagonizada por Alan Ladd y Verónica Lake.


El filme está basado en la novela de uno de los más reconocidos escritores vivos dentro del género negro, James Ellroy (famoso por la adaptación que se hizo de L.A. Confidential), y está dirigido por Brian de Palma. La verdad es que uno esperaría del director de El precio del poder  o Atrapado por su pasado algo más espectacular, sobre todo teniendo en cuenta que el libro de La Dalia negra está entre los mejores de Ellroy, superando incluso a L.A. Confidential y, sin embargo, el producto final decepciona. Para empezar, la ambientación de Los Angeles en los años 40 no resulta nada creíble, tanto el vestuario como los decorados no logran poner en situación, además, casi todas las escenas están rodadas en interiores. Otro tanto de lo mismo pasa con los actores: Aaron Eckhart es el que mejor sale librado con una actuación bastante convincente pero Josh Harnett y Scarlett Johansson resultan simplemente pasables y, para el papel de femme fatale, no se comprende como se pudo elegir a Hillary Swank, ya que su aspecto andrógino no resulta precisamente el más adecuado para hacer de seductora. De Dalia Negra tenemos a una enigmática Mia Kirshner, que a pesar del poco metraje que se le dedica, logra transmitir mucho más que el resto de sus compañeros de rodaje.


Debido a que las obras de Ellroy son tan excelentes como complicadas y retorcidas, llegando a captar un número casi infinito de personajes y situaciones, hay que ser sumamente habilidoso para transformar uno de sus libros en un guión de cine que resulte coherente. L.A. Confidential lo consiguió con creces. Curtis Hanson (director, que escribió el guión en colaboración con Brian Helgeland, guionista de Mystic River) cogió las mejores partes del libro y lo unió todo aportando nuevas ideas que daban como resultado una excelente versión cinematográfica. Sin embargo, la adaptación de guión que Josh Friedman ha realizado con La Dalia Negra es bastante pobre: un producto que como película es pasable pero que como adaptación resulta bastante mediocre.  


La Dalia Negra es uno de sus libros más importantes, y no sólo por su calidad literaria, pues también fue una especie de catarsis para Ellroy, quien identificó el caso sin resolver del asesinato de su madre con el de Betty Short. Una catarsis que culminaría con Mis rincones oscuros, un relato autobiográfico sobre la muerte de su madre y la reinvestigación del caso que él mismo realizó en 1994.
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La XI Muestra Syfy de Cine Fantástico abrirá con “300: El origen de un imperio”

February 6, 2014, 10:32 am
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Del 6 al 9 de marzo se podrá ver en el cine Callao de Madrid una selección de películas de género que todavía no se han estrenado en cines comerciales.

Leticia Dolera repetirá como maestra de ceremonias de la XI Muestra que acoge de nuevo una propuesta de cine español de género con la presentación de Faraday, de Norberto Ramos del Val.

Además, el canal llevará la celebración del 50 aniversario del Doctor Who  más allá de la televisión y proyectará en pantalla grande el episodio especial de la mítica serie de la BBC.

La undécima Muestra Syfy de Cine Fantástico arrancará con el sonido de las espadas griegas chocando contra las persas. El preestreno de 300: El origen de un imperio inaugura esta cita ineludible con el cine de género más reciente que todavía no ha llegado a las salas comerciales. Basada en la última novela gráfica de Frank Miller, Xerxes, y narrada en el impactante estilo visual del taquillazo 300, esta nueva entrega de la saga épica lleva la acción al campo de batalla (esta vez, en el mar) y nos narra los intentos del general griego Temístocles de unificar toda Grecia dirigiendo el cambio que modificará el curso de la guerra. La aventura de acción está interpretada por Sullivan Stapleton (Gangster Squad. Brigada de Élite) y Eva Green (Sombras Tenebrosas, Casino Royale).  Lena Headey retoma su papel protagonista como la Reina espartana.

Otra esperadísima película es  We are what we are, remake de la mexicana Somos lo que hay, dirigido por Jim Mickle, cuya penúltima película - Stake Land – ya estuvo presente hace dos años en la Muestra Syfy. La película nos presenta a los Parker, una familia aparentemente normal pero que esconde un terrible secreto que iremos descubriendo a lo largo de un film inquietante y más impactante que su predecesora.


Uno de los platos fuertes de esta undécima edición de la Muestra Syfy es la norteamericana Coherence, ganadora del premio al mejor guión y del premio de la juventud en la última edición del Festival de Sitges, y llamada a convertirse en uno de los títulos de referencia del género fantástico de este año. Rodada cámara en mano y con un reducido equipo de actores, la película es un adictivo rompecabezas sobre la pérdida de la identidad a raíz del paso de un cometa que deja desorientado a todo el que lo ve.


Este año la Muestra Syfy tendrá como broche final el estreno en España de La bella y la bestia, el regreso a la dirección de Christophe Gans (Crying Freeman, El pacto de los lobos) en forma de superproducción que tiene como punto de partida el popular cuento clásico pero que - en palabras del propio director - se adentra luego en un universo completamente nuevo jamás experimentado antes. Vincent Cassel, Léa Seydoux y Eduardo Noriegason sus protagonistas

  
Además, Norberto Ramos del Val (Summertime) presentará su nueva película, Faraday, una comedia fantástica, una historia de amor que supera todas las fronteras, incluidas las del Más Allá.


El episodio especial que celebra el 50 aniversario de Doctor Who se proyectará en 3D























Syfy estrena en televisión en España este jueves 13 de febrero el episodio especial The day of the Doctor, que conmemora el 50 aniversario de una de las series más emblemáticas de la BBC, Doctor Who. Para continuar con la celebración, la Muestra brindará de nuevo a los fans de la serie la posibilidad de ver en pantalla grande y en 3D este episodio especial.

Syfy, el canal temático de la imaginación y la fantasía producido por Universal Networks International, colabora de nuevo con Versus Entertainment para llevar al público el mejor cine de género fantástico, tan presente en el canal, haciendo posible un acontecimiento único en el panorama cultural madrileño.


El cartel de la Muestra de este año es el ganador de un concurso convocado por Syfy a través de la plataforma adtriboo, líder del crowdsourcing creativo de habla hispana. La propuesta creativa de Javier Millán fue la ganadora de entre más de 400 propuestas e impregnará toda la imagen oficial de esta undécima edición.

Los espectadores podrán ir conociendo más información sobre Syfy y la Muestra en:

-          La página web de Syfy

-         La página de Facebook



-         El twitter@Syfy_Spain con la etiqueta  #MuestraSyfy
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Reportaje de la XI Muestra de cine fantástico en Madrid

March 9, 2014, 9:24 pm
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En esta undécima edición, celebrada este mes de marzo, la mayoría de filmes que se han presentado eran obra de directores noveles como por ejemplo Noam Murro,  que con sólo un largometraje en su haber se ha encargado de 300, el origen de un imperio, secuela de 300, que fue originalmente dirigida por el genial Zack Snyder, autor de Amanecer de los Muertos, Sucker Punch o Watchmen cuya premiere pudimos disfrutar en la sexta edición de cine fantástico de Syfy.  Cualquiera diría que es el propio Snyder quien dirige esta segunda parte, visualmente es incluso más impactante que la primera, las batallas más impresionantes, resultando en puro derroche de adrenalina y una gozada para los amantes de la acción. Respecto al guión y los actores cumplen con su cometido, no son todo lo planos que uno esperaría para una película donde predomina la lucha.


Maniac, remake de un clásico ochentero sobre un tema que ya es un clásico en el cine de género: un asesino en serie que no logró superar su traumática infancia y se dedica a acechar mujeres. La adaptación del guión para esta nueva versión está realizada en parte por Alexandre Aja, competente director que ha sabido labrarse un nombre en el cine de terror, dirigiendo él mismo a su vez remakes de clásicos como Las Colinas tienen ojos de Wes Craven. Maniac recuerda bastante a Henry, retrato de un asesino, con una fotografía sucia, colores apagados y grises, en tono documental, pero con una diferencia importante: la mayor parte de los planos están vistos a través del protagonista en un primer plano subjetivo, este recurso funciona bastante bien y logra transmitirnos el perturbado mundo interior de este predador, encarnado por Elijah Wood. Los pocos planos donde se ve su rostro (contemplándose a sí mismo en el espejo) causan pavor, lo que demuestra su talento, ya que es capaz de convencer como simpático hobbit para luego transformarse en un brutal demente con Maniac.


We are what we are (remake de un largometraje Mexicano, Somos lo que hay) era una de las más esperadas del festival, el director Jim Mickle, consiguió agradar al público en la novena Muestra de Syfycon Stake Land. Se ve una clara evolución de Mickle, ya que se aprecia un estilo mucho más pulido en todos los detalles: el ritmo, la fotografía, el uso de planos. Sobresale el excelente trabajo de los actores, en especial de la familia protagonista, donde un padre dominante (Bill Sage) impone el legado de una terrorífica tradición a sus dos hijas.  El filme, aunque no es brillante, está  muy bien llevado y logra atrapar al espectador.


Snowpiercer fue la estrella, debido a que su director es el coreano Jon ho Bong,  que parece haber dado el salto a Hollywood, ya que en esta ocasión trabaja con actores americanos en alza como Chris Evans, y veteranos como Tilda Swinton, Ed Harris o John  Hurt.  La verdad es que no me esperaba gran cosa de este director, sobrevalorado en exceso, sus películas más conocidas en occidente son Crónica de un asesino en serie, que acababa resultando pesada y The Host, sobre una familia de descerebrados a la caza de un monstruo mutante,  filme absurdo y carente de interés que intentaba mezclar comedia, acción y terror pero con resultados desastrosos. Si hubiera estado dirigido y protagonizado por actores estadounidenses seguramente nadie se hubiera fijado en ella, apenas hay diferencia entre The Host y cualquier bodrio, de esos que se emiten en horario de madrugada. Pero Snowpiercer sorprende gratamente, aquí Bong sí que logra mezclar adecuadamente la acción junto con su extraño sentido del humor, y además en una historia llena de interés. La trama recuerda mucho a la saga del videojuego Bioshock: un futuro donde un hombre ha creado su propia utopía apartado del resto del mundo, y dentro de ese biosistema cerrado surge una guerra civil. El escenario es un tren, y según los rebeldes van avanzando de vagón se van reflejando todos los errores y pecados, así como sistemas sociales preestablecidos, que la humanidad ha repetido a lo largo de la historia

De Nueva Zelandallega Fresh Meat, que sigue el legado de comedias salvajes que suelen aparecer en la Muestra de Syfy casi cada año, mezclando gore y carcajadas. Muy recomendable para los aficionados al género, el único punto en contra es que dura demasiado y le sobra la última media hora, donde empieza a desbarrar demasiado.

Almost Human es un filme de muy bajo presupuesto, al estilo de otros directores en sus inicios como Sam Raimi con Posesión Infernal, el problema es que en los tiempos que corren es muy difícil innovar y sorprender. Recuerda mucho a los Invasores de los ladrones de cuerpos, con la diferencia que el alienígena en cuestión no realiza su invasión en silencio y ladinamente sino de forma brutal, como una especie de Terminator brutal e implacable.


Rigor Mortis: una acabada estrella de cine se traslada a vivir a un edificio donde los habitantes conviven con criaturas sobrenaturales, allí tendrá que enfrentarse a vampiros, fantasmas y practicantes de magia negra. A diferencia de otras películas de acción donde lo que prima es la espectacularidad, aquí lo que se cuida es la belleza, y la composición visual, detalles característicos en el cine asiático. Incluso en medio de todo tipo de batallas con seres terribles uno no puede dejar de sentirse hipnotizado por las imágenes que aparecen en pantalla.


Coherence: totalmente carente de recursos visuales, su principal atractivo radica en un guión que absorbe por completo al espectador. Inteligente y hábil trama sobre los viajes en el tiempo, podríamos considerar a Coherence como una versión intelectual y en forma de película independiente de la saga de Regreso al futuro. Junto a Snowpiercer de lo mejor de la edición de este año.


De lo más flojo del festival está Faraday, comedia española que, aunque consigue arrancar la carcajada en algún momento, el resultado final es muy flojo, y poco se diferencia de un capítulo de cualquier serie española actual.


Leticia Dolera y Eduardo Noriega (Foto: Gabriel del Valle)

Entre tanto director novato también se pudo visionar la última obra del veterano Christophe Gans (Crying Freeman, Silent Hill), con una nueva adaptación del cuento La bella y la bestia. Sin duda el director idóneo para un clásico, ya que este director francés posee un excelente estilo visual y una gran habilidad para narrar en imágenes, y consigue así transportar por completo al espectador a otros mundos. El filme es absolutamente impresionante para los sentidos y entre sus actores cuenta con Eduardo Noriega, que estuvo presente en el festival para presentar su película junto a Leticia Dolera (anfitriona del festival). Además la Muestra contó con otros actores para presentar sus cortometrajes como Macarena Gómez o asistentes habituales del festival como Carlos Areces, (Muchachada Nui, Museo Coconut, Lobos de Arga).

Macarena Gómez presentando el cortometraje Blink junto al director del mismo 
(Foto: Gabriel del Valle)

El actor Carlos Areces, un habitual del festival (Foto: Gabriel del Valle)
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CRÍTICA CAPITÁN AMÉRICA: EL SOLDADO DE INVIERNO

March 23, 2014, 4:05 am
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Espectacular es la palabra que define esta nueva entrega, superando cualquier expectativa. De hecho, yala primera parte era la mejor obra de un personaje de Marvel en solitario (si hablásemos de equipo el filme elegido sería X Men: First Class), donde el estilo era más reposado ya que había que introducir al héroe, tarea complicada porque resumir décadas de tebeos en sólo dos horas, siendo fiel al espíritu, adaptándolo a la gran pantalla de modo competente, y satisfaciendo a los fans más puristas, es una difícil combinación. La primera parte nos iba introduciendo al Capitán América, su origen, su humanidad.... logrando combinar vulnerabilidad con un gran poder, ver la sangre y sudor que acaban cubriendo el traje. El resultado final era sobresaliente sobre todo teniendo en cuenta que este personaje, a pesar de su importancia y ser de los más antiguos de Marvel Comics, no es precisamente de los más atrayentes. Su personalidad es la de un boy scout, buenazo, bonachón, tirando a simplón, amante de la tarta de manzana, de las barras y estrellas y arquetipo del espíritu ideal de los Estados Unidos (de lo que debería ser más bien). Una gran dirección junto con buena historia lograban sacarle el máximo partido, todo lo contrario que con los filmes de Lobezno, que fueron un despropósito.


Con el soldado de invierno damos un salto en todos los niveles: una vez presentado el origen del Capitán América se puede dedicar más tiempo de metraje a la trama y la acción que ésta destila. La historia se sitúa en el presente (la anterior entrega era durante la II Guerra Mundial) y el guión nos refleja temas importantes: un futuro orwelliano donde el gobierno puede controlar todos tus pasos, una población que por miedo está dispuesta a sacrificar su libertad a cambio de seguridad, un Estado represivo y un Capitán América dispuesto a enfrentarse a las instituciones para defender la supuesta libertad que estas deberían proteger. Un guión maduro, con una trama de conspiraciones, dobleces y secretos que envuelve al espectador y le atrapa por completo, todo regado por unas escenas de acción increíbles como nunca he visto. No sólo se ha avanzado en la tecnología hasta el punto de integrarse por completo en la pantalla, sino que además la coreografía de la acción ha alcanzado un nivel de perfección casi absoluto. Cuando uno pensaba que ya no podía sorprenderse más, aparece algo como soldado de invierno que te deja con la boca abierta. Desde los tiroteos y explosiones hasta las peleas mano a mano resultan de una belleza brutal. 


Los directores y hermanos, Antohny y Joe Russo, no han hecho nada destacado hasta la fecha pero visto lo que han conseguido en esta ocasión merece la pena seguirles la pista. Christopher Markus y Stephen Mcfeely, al igual que en la primera entrega, vuelven a encargarse del guión magníficamente y bebiendo del trabajo de Ed Brubaker, guionista en boga, tramposo y tremendamente sobrevalorado para mi gusto. Brubaker intenta dar un toque de género negro al cómic de superhéroes pero sus esfuerzos se centran simplemente en retorcer la historia más que en desarrollar la misma o dar personalidad a sus protagonistas. A pesar de todo parece que Markus y Mcfeely sí que han sabido encontrar inspiración con una chispa de ingenio que le faltaba a Brubaker. En definitiva decir que Capitán América: el soldado de invierno muestra hasta qué punto se puede alcanzar la excelencia cuando los efectos especiales acompañan un buen guión y dirección.

Algunas nuevas adiciones al reparto son Robert Redford o George St Pierre, destacada estrella de la UFC (empresa promotora de artes marciales mixtas) cuyos luchadores empiezan cada vez más a prodigarse en el cine. 




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Crítica Injustice Gods Amongs Us

April 8, 2014, 4:07 am
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Este videojuego (disponible en Playstation 3, PS4, PSVita, Xbox 360, Wii U y PC) es una maravilla para los amantes de los juegos de lucha, concretamente del uno contra uno, estilo Street Fighter. La particularidad, y principal atractivo es que los personajes están sacados del universo DC Comics, pudiendo elegir entre héroes y villanos míticos como El Joker, Superman, Batman, Flash, WonderWoman y otros conocidos para los aficionados a los tebeos pero fuera del circuito mainstream como Black Adam, Sinestro o Solomon Grundy.

Los gráficos son alucinantes, se nota cómo se ha ido evolucionando en la tecnología, y cada vez se le sacan más partido a las nuevas consolas, los detalles de las texturas, el realismo de la anatomía, la paleta de colores...Y todo acompañado de una excelente jugabilidad con una gran cantidad de movimientos que definen perfectamente las habilidades y poderes de cada personaje, destacar además que el control es bastante fácil, sobre todo en los golpes especiales, no como en juegos donde se requería memorizar complicadas combinaciones de botones y cruceta, lo cual acababa resultando desesperante. Respecto a los citados golpes, uno puede disfrutar de escenas que dejan con la boca abierta: Superman lanzando de un puñetazo al contrincante a la estratosfera, Flash dando vueltas a la tierra a supervelocidad para acabar lanzando un directo a la mandíbula o Aquaman convocando los océanos y con un tiburón gigante que se merienda al oponente. Otros factores que aumentan el interés de la lucha es la posibilidad de lanzar a tu rival fuera del escenario, atravesando paredes, siendo golpeado por máquinaria u otros seres: por ejemplo en Arkham Asylum, al golpear al oponente, éste atraviesa un muro hasta llegar a la sala de recreo de los internos y allí encaja una sucesión de porrazos propiciados por Killer Crock, El Acertijo, Dos Caras, El Pinguino..., o bien salir despedido al espacio y ser arrollado por una nave. Aparte hay una gran interacción con el escenario, llegando a utilizar parte del entorno y dejarlo todo destrozado. La ejecución de los movimientos, sobre todo del desplazamiento, es más bien lenta en comparación con otros juegos, lo cual no está mal porque da tiempo a disfrutar del mismo y planear ataques, lejos de resultar mareante y frenética como ocurría con el Marvel vs Capcom. 



El modo historia resulta realmente atractivo, la trama es digna de hacer una película y consigue meterte de lleno, tanto por su fuerza emocional como por el impresionante despliegue de poderes. Y todo acompañado de una banda sonora que combina a la perfección y consigue darle un tono épico, digno de cualquier saga mitológica, aunque con dioses cuyos poderes no les hacen invulnerables en sus emociones. Sin revelar más allá de lo que se ve en la introducción, ni hacer spoiler, explicar que el principal hilo conductor es una tierra alternativa donde Superman, por manipulación de El Joker, acaba destruyendo Metropólis, así como a su esposa e hijo nonato. A partir de ahí el hombre de acero pierde su brújula moral por el dolor e intenta hacer un régimen totalitario donde no exista el crimen, pero tampoco la libertad.


En definitiva podríamos decir que estamos ante un juego, sino perfecto, casi. Pero las malas noticias es que los responsables de la empresa NetherRealm (responsable del desarrollo del juego) no están a la altura de sus diseñadores. La calidad de Injustice Gods Amongs Us se ve empañada por el repugnante comportamiento de esta compañía (famosa por ser creadora de la saga de Mortal Kombat) ya que sus técnicas de marketing y venta sólo se pueden comparar a los de un trilero o perista. Resulta que sacaron el juego incompleto y se guardaron varias expansiones para venderlas aparte como contenido descargable. Es normal sacar el juego y, a posterori, si tiene éxito, desarrollar más extras y venderlos por separado, el problema es que aquí estaba todo planeado ya que la operación se hizo a las pocas semanas del lanzamiento del juego y con una cantidad de extras totalmente desproporcionada, sobre todo por su precio. Pero la cosa no acaba ahí, sino que en el "Season Pass" (compra de un paquete que en teoría permite acceso a todos los extras por un precio menor que por separado) se incluyó como sorpresa a Scorpion, personaje de la saga de Mortal Kombat. Es como si Nintendo saca un juego de Marvel Comics y, tras abonar la expansión, te meten a Mario Bros o, por citar otra analogía para los más neófitos en cómics: como si compras una versión extendida de una película y te encuentras con que el director ha metido entre los extras publicidad para promocionar a sus amigos y familiares.



Por si esto fuera poco también sacaron extras que estaban fuera del Season Pass, (lo normal hubiera sido mimar al cliente haciéndolos gratuitos o al menos incluyéndolos en el pack). De hecho las redes sociales ardían con comentarios de gente indignada, y no era para menos dado semejante pufo. A pesar de que los videojuegos son el negocio que mejor va en plena crisis y del éxito de ventas de Injustice, parece ser que a NetherRealm (dudo que esto provenga de Warner Bros, empresa responsable del merchandising de DC Comics) no le basta y ha incluido entre sus prácticas esquilmar al jugador y aprovecharse de su buena fe.

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Borbón y cuenta nueva, por Ricardo Peregrina

June 29, 2014, 5:42 am
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Borbón y cuenta nueva, de Ricardo Peregrina: genial tebeo que, a través del humor, consigue un retrato de los Borbones más realista y merecido que el realizado últimamente por la mayoría de los periodistas, los cuales sólo han sabido mostrar un servilismo tan impresentable como patético. Una vez más, el cómic demuestra ser un medio de expresión más útil, valiente y original que otros considerados más "serios".

Más de 200 páginas, en color y por sólo 7 euros, Panini Cómics vuelve a demostrar su cariño y dedicación a los fans, con este tipo de detalles. Ya anteriormente demostró su buen hacer con las ediciones que fue sacando al hacerse con los derechos de publicación de Marvel en España. Todo lo contrario que RBA, el grupo editorial que censuró una portada de El Jueves sobre la sucesión en la corona, provocando que gran parte de la plantilla se fueran para montar su propia revista, Orgullo y Satisfacción, llegando a vender más de 30.000 ejemplares online sólo en su primer número. Aparte RBA ha conseguido, entre los efectos colaterales de su "brillante" estratagema de censura, que los artistas que decidieron quedarse hayan retomado con más fuerza que nunca sus viñetas sobre la monarquía española. Yo ya había criticado anteriormente a esta editorial por las tomaduras de pelo que realizaban a los lectores, como los precios exagerados con los que publicaron las obras de Jim Thompson, y en ediciones más bien mediocres. 


Sobre la obra en sí misma, decir que hacía tiempo que no me reía tanto, Ricardo Peregrina realiza un perfil perfecto de todos los personajes, como bien reza en la primera página "una historia fantástica sobre hechos muy reales". Es un recopilatorio de todo el trabajo que realizó este autor en El Jueves, en una historia continuada donde muestra un futuro alternativo donde se ha instaurado la III República, Juan Carlos de Borbón ha perdido su fortuna, y vive con el resto de su familia en un piso de protección oficial en Carabanchel. A través de diferentes peripecias, al más puro estilo de Mortadelo y Filemón, los Borbones intentarán volver a ocupar el trono. 


En resumen: si alguna vez quisieron conocer la auténtica cara de la monarquía española déjense de libros de Peñafiel (el cual también aparece fielmente reflejado en este cómic) y háganse con Borbón y cuenta nueva, su bolsillo, sentido común y ganas de reír se lo agradecerán.
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